La selección de obras reunidas en esta exposición de Montserrat Soto (Barcelona, 1961), realizadas entre 1996 y 2001, se sitúa en un momento clave de su trayectoria, en el que la artista consolida una investigación centrada en la percepción, el espacio y la construcción de la mirada.
Lejos de entender la fotografía como un dispositivo de registro, Soto la concibe como unmecanismo de mediación. Lo que aparece en sus imágenes no es la realidad en sí misma, sino una realidad desplazada, filtrada, reconstruida. La imagen fotográfica funciona simultáneamente como “pseudopresencia y signo de ausencia”. Esta tensión —entre lo que está y lo que falta— constituye uno de los ejes fundamentales de su trabajo.
En estas obras, el espectador ocupa un lugar central. La ausencia sistemática de figuras humanasno implica vacío, sino una invitación directa a la ocupación simbólica de ese espacio. La obra no se completa sin la presencia del cuerpo que la recorre: es en esa activación donde la imagen adquiere su plena condición de experiencia. No se trata, por tanto, de contemplar pasivamente, sino deatravesar, habitar y proyectarse.
Presentadas en grandes formatos, las imágenes se expanden hacia una dimensión casi instalativa que intensifica esta relación física, situando al espectador dentro del campo de la obra más que frente a ella.
Uno de los elementos recurrentes en este periodo es la aparición de estructuras que actúan como límites: umbrales, aperturas o arquitecturas incompletas. Estas “barreras” no funcionan únicamente como obstáculos físicos, sino como dispositivos perceptivos que intensifican la mirada. Al impedir el acceso directo, generan una paradoja: cuanto más se bloquea el paso, más se activa la imaginación, empujando al espectador a “ver más allá de lo que entra por los ojos habitualmente”.
En este sentido, el motivo del arco —presente en Sin título (Arcos)— adquiere una dimensión especialmente significativa. El arco, como el marco, no es un elemento decorativo, sino un umbral: un lugar de transición entre lo visible y lo invisible, entre lo que se muestra y lo que queda fuera de campo.
Desde un punto de vista formal, estas obras revelan también una dimensión metalingüística: no solo muestran espacios, sino que reflexionan sobre el propio acto de mirar. Como se indica en el ensayo, el gesto fotográfico puede entenderse como un “corte” en el espacio y en el tiempo, una interrupción que separa y a la vez construye sentido . La imagen no es, por tanto, una totalidad, sino un fragmento que señala tanto lo que incluye como lo que excluye.
En este conjunto, Soto articula una práctica que oscila entre lo sensorial y lo conceptual. Sus imágenes, aparentemente silenciosas, operan como dispositivos de activación: invitan a una contemplación que no es evasiva, sino crítica. El espectador no solo observa, sino que se enfrenta a su propia posición dentro del espacio, del tiempo y de la memoria.
En última instancia, estas obras plantean una pregunta persistente: ¿qué significa realmente ver? La respuesta no se encuentra en la imagen misma, sino en el umbral que se abre entre ella y quien la contempla.